11/24/2024
Manifiesto Yeyeco (Náhuatl-Idear)
Guadalajara, Jalisco 08 de Abril de 2024 08:08hrs
En un mundo en constante metamorfosis, donde las normas arcaicas y convencionalismos sociales se derrumban ante nuestros ojos, surge la necesidad urgente de una expresión artística unificadora en sus preceptos filosóficos, que refleje este marco histórico de principios del siglo XXI y afronte los límites instaurados (y por instaurar) en este apocalipsis social, donde las disposiciones generales tradicionales se desintegran y se abren paso a nuevas formas de pensamiento, estructura y creación. Es en este contexto que se proclama, en este manifiesto, un llamado a la acción para los artistas de vanguardia actual.
Ya que este manifiesto busca ser entendible por cualquier individuo interesado, tenga un conocimiento previo o no y antes que nada, comencemos con las preguntas correctas:
¿Qué son las corrientes artísticas?
“Las corrientes artísticas son un conjunto de obras de arte creadas en un periodo de tiempo determinado que comparten características estéticas e ideológicas, también se les denominan movimientos artísticos. Incluyen principalmente, pinturas, esculturas y artes performáticas, pero sus influencias abarcan también la filosofía, la literatura.”
¿Qué busca esta corriente artística?
Busca una línea de pensamiento enfocada en un movimiento social y social artístico. Para que los artistas, como gambusinos, exploten y generen conclusiones de la mano de filósofos y librepensadores con la finalidad de que lo evolucionen, dando una progresión exponencial de hechos tangibles e ideas aterrizadas.
¿Por qué se necesita una corriente artística?
●Social Local.- En México se necesita una corriente artística innovadora, pues es un semillero creativo, que ante las corrientes ideológicas genera un sello social de unidad, debate y exposición de las conductas sociales. Una línea de unión filosófica dentro de la creación, pues es un nicho parcialmente vacío desde hace lustros.
Se debe hacer hincapié en que el mexicano es adicto al cronograma social de exaltación del cotidiano y del pensamiento fantástico y religioso. El mexicano hace alarde de su caleidoscópica historia y de su cumulo de saberes poli culturales. Y en este momento histórico donde es evidente la dislocación de roles sociales, el creciente pensamiento líquido, la ruptura de cánones sociales a nivel mundial, el consumismo deveniente de la cultura pop caucásica y el vacío de poder eclesiástico que rigió totalitariamente el mundo con preceptos orales canónicos que mantenían a raya al sesgo social pensante, es necesaria la visión del creador retratando su línea temporal.
El mexicano busca la libertad sin saber que está siendo homogeneizado con el globo y el retraso social local contra el avance global, da como resultado una sociedad salpicada, evangelizada por el yo y la inmediatez del aquí y el ahora. El artista mexicano ya no retrata objetivamente su realidad, no genera un discurso, reniega de su historia y busca el lujo más que el propio discurso. El artista mexicano no sabe trabajar en equipo, ni expresar sus saberes en un medio comunal conceptual. Las grandes mentes ya no se reúnen a compartir saberes, estudiar y analizar, se duermen en los laureles de fórmulas ya gastadas, que generan ganancias estéticas más no ganancias cognitivas, que se enfoquen en una revolución de pensamiento y la realización de nuevos medios para la plástica y es por esto que, si bien el medio artístico local no está en una tierra árida, si necesita un medio conceptual de unión.
●Social mundial: En el mundo existen nuevas directrices a tomar en consideración y existen otras que llevan años sin darles la atención requerida como la actual la subsecuencia social derivada de este asesoramiento por parte de la cultura del comic (ciencia ficción) donde se tocan temáticas científicas que se reservaban solo a físicos, científicos o personas interesadas, quienes generalmente consumen estas expresiones artísticas y de las cuales se abre otro jugoso nicho inspiracional, que lleva años generando puentes entre arte y ciencia. Si bien en Francia es habitual el consumo de la novela gráfica al igual que en Suecia, en México y Latinoamérica (y en países subyugados por la conquista) no son de alto consumo, en estos países el consumo se da en la inmediatez de la tragicomedia televisada con relación al éxito romántico y aspiracional, el cual “evoluciona” a la romantización de conductas destructivas y autodestructivas como parte de la emulsión social de “éxito” y/o libertad del ser.
El fuerte pisa al débil, el que sabe no comparte sus saberes, los secretos ya no se callan, no se enseña la reflexión, ni el pensamiento individual, se castiga tanto al pensamiento evolucionista como el segregacional, se evidencian sesgos culturales, la contracultura está perdida, el imaginario futurista ya nos alcanzó y el estoicismo clásico es fútil sin alimento filosófico contemporáneo. Por ello a nivel mundial, se necesitan explotar estas líneas de pensamiento, que solo abren, más líneas hacia un pensamiento no lineal evolutivo transtemporal y transgeneracional que genere puentes y una retroalimentación continua y contundente.
●El artista: ¿Que pasa dentro del orbe del artista? El hiperrealismo dentro del mundo artístico es la máxima prueba de virtuosismo técnico del ego que se sigue como premisa máxima desde hace 20años, de una técnica que se maneja desde hace cien. El realismo sin sentido, el clásico arte ecuestre, el abstracto sin justificación ideológica y estética, el grabado como mera muestra de saberes, los oleos, el acrílico son cotidianos, poco arte experimental, el onirismo más que surrealismo, la poca narrativa, no se reta al espectador y tampoco existe una correcta retroalimentación, poca lúdica, poco uso de medios mixtos, recelo a las técnicas digitales, el nuevo uso de la inteligencia artificial, como generación creacional de los desesperados. No hay generación de nuevas herramientas en el impulso artístico, arte conceptual y arte objeto estancados. La eterna pelea entre los artistas consagrados, artistas emergentes y gente del cotidiano que no comprenden que el autodidacta no existe en la era de las telecomunicaciones. No hay estudio de la historia del arte y sus diferentes movimientos, no se busca el contexto social y el artista que por siglos buscaba la ruptura social dictatorial imperante, no sabe otra cosa que aferrarse al pasado, a lo que conoce y a quienes conoce. Los discursos clásicos son obsoletos, la libertad ya tomo vida propia y ahora es momento de encausarla a su propia individualidad, crueldad y grandeza en el seguimiento de su adecuada madurez. La línea anterior de segmentación es un estigma obsoleto. Lo único que no queda obsoleto son los tabúes, el control de muchos por una minoría que controla el recurso y los saberes, sin importarle el contexto de las mayorías imperantes y eso debe cambiar, evolucionar, actualizar, documentar y retratarse.
●Y es aquí donde se levanta otra pregunta correcta: ¿Qué va a crear el artista, que va a pensar el filósofo, en que enfocara sus estudios el físico, etcétera, en el apocalipsis de una era social?
El color negro se hizo más negro (vantablack), el color rosa más rosa (PINK), Anish Kapoor mas Anish Kapoor… ¿y las nuevas expresiones? ¿El nuevo pensamiento creacional? ¿La relación entre los presentes, creativos y la masa, para cuándo?
Regresando a la pregunta original ¿para qué se necesita una corriente artística?
Para generar una línea de pensamiento que pueda seguirse por cualquiera, que sea entendible para que pueda ser evolucionada por cualquier interesado y se exalten los valores de pensamiento individual y social generando una nueva metodología de enseñanza y cauce de pensamiento libre, divergente y contestatario a las nuevas necesidades sociales donde la re dignificación del propósito humano sea la convergencia utópica de visiones individuales donde se deje atrás la era de la violencia y la segregación social.
Para ponerle rostro e historia a las emociones, padecimientos médicos, psiquiátricos y psicológicos, se retoman los temas expuestos atraves del prisma de las neurodivergencias y los creativos que encuentran en su condición una luz creacional.
Para ponerle fin a la apatía social, el cual es un estigma del cual hay que liberarnos, de igual manera, la apatía mental y los antivalores que dejan de lado al humanismo, no serán romantizados, serán expuestos con ironía y cinismo, mostrando la crudeza de esos rostros.
Para reivindicar el apropiacionismo que elimine el canon consumista segregacional que, confina al humano a ser un creador sectorizado y no un ciudadano del mundo que pueda, atraves del conocimiento sistémico y profundo, utilizar para una disertación estética distintas iconografías y distribución de discursos culturales, con respeto, ética y justificación semiótica, para, a posteriori se unan los componentes para contextualizar una nueva directriz cultural, unificando los puntos de correlatividad difusos ocultos, quizá, en otros discursos pasados.
Para exponer al Semiocapitalismo, a la economía libidinal, a la semiosis imperante que busca nuevos nichos de consumo, que existen por existir, venden por vender y se apoderan de los medios de producción en todos los niveles de esta, incluidos los de la semiosfera digital donde los conceptos se compran y se venden generando el mismo impacto (hasta ecológico) que los productos físicos y con fecha de caducidad más temprana por el pensamiento líquido, sin fundamento dogmático y como “economía viva”, no debe dejarse de lado o atacarse por parte del artista, debe afrontarse, confrontarse, entenderse y desmantelarse desde el concepto abstracto hasta el eterico y para utilizarlo como parte del discurso propio en su contractualidad con los postulados filosóficos aquí descritos.
Para manifestar y cimentar el concilio entre espectador, el pensador y el creador, donde el espectador no se sienta segregado del concepto y/o discurso estético, más bien que sea retroalimentado, atraves de la sustentación del recorrido semiótico personal del creador, enriquecido con la interpretación del librepensador, el científico, etc., y se rete al espectador a dar su propia y personal interpretación, generando un sentido de pertenencia en la lúdica estética y cultural. Además de retar al mismo creador a generar un discurso escrito, como parte de sus saberes estéticos y conceptuales dando paso al dialogo conceptual en niveles establecidos.
Para definir una línea en la creación artística en un contexto de apocalipsis social (apocalipsis como etimológicamente se toma “revelación, develar o descubrir algo que está oculto”) puede ser intensamente impactante y reveladora, ya que reflejara emociones, luchas y reflexiones del individuo, en sociedad y de la sociedad como entidad individual en este momento específico de ruptura, concilio y creación. Para brindarle también al artista directrices creacionales que estimulen la inspiración y dejen de lado los bloqueos creativos. Dentro de las temáticas que el artista de principios del siglo XXI puede explotar y encausar bajo los preceptos antes descritos, y que mantienen una línea con respecto a algunos puntos de manifiestos anteriores con vigencia actual, son:
1. Arte de Protesta. Creando obras que expresen resistencia, solidaridad y lucha contra la injusticia, coerción y la inequidad social. Utilizando símbolos y metáforas visuales para representar la búsqueda de un cambio social positivo donde los antivalores sean satirizados, expuestos y/o abyectados. La actividad performática es un gran nicho para este apartado.
2. Documentación Visual, capturando la realidad del apocalipsis social a través de pinturas, dibujos, esculturas, arte objeto, fotografía, infogramas, etc., que documenten escenas cotidianas o eventos significativos. Siendo un medio para preservar la memoria histórica y dar testimonio de la experiencia colectiva, eliminando el estigma de la cancelación histórica.
3. Arte Reflexivo sobre la Humanidad. Crear obras que exploren la naturaleza humana en tiempos de crisis social, de manera cíclica y/o transtemporal. Reflexionar sobre temas como la empatía, la supervivencia, la solidaridad y la resiliencia. Reflexiones sobre la coexistencia sustentable entre especies y reinos biológicos.
4. Instalaciones Efímeras. Utilizando materiales reciclados, reutilizados y/o encontrados para crear instalaciones temporales que representen la fragilidad y la fugacidad de la vida en un apocalipsis social, ambiental y/o filosófico. Invitar a la participación del espectador para crear una experiencia lúdica y documentada para futuras exposiciones, dossier y/o bitácora.
5. Arte Terapéutico. Utilizar el arte como un medio terapéutico tanto para el propio artista como para la audiencia. Crear obras que transmitan un mensaje de esperanza, resistencia o sanación, pudiendo conectarse con la psicología o psiquiatría, mas no como una terapia avalada si no cuenta con asistencia de profesionales titulados de la salud mental.
5.1. Arte incluyente. Arte táctil, auditivo, sensorial donde las personas con alguna discapacidad puedan tener un dialogo “estético” y puedan degustar y consumir expresiones artísticas de instalación. Se exhorta a los artistas a incluir en sus modelos, postulados estéticos y de discurso conceptual a todo tipo de cuerpos del cotidiano, recordando que las minorías también son parte del cotidiano.
6. Exploración de la Desconexión Tecnológica. Representar la desconexión de la tecnología y el regreso a formas de vida más simples y de bajo consumismo, evidenciando las nuevas técnicas de venta de explotación del consumo verde, donde el estilo de vida natural sale más “caro” que lo convencional. Reflexionar sobre cómo la tecnología afecta la sociedad y cómo la falta de ella puede cambiar las dinámicas de interacción social. La importancia del equilibrio del tiempo tecnológico y la desconexión. El tipo de consumo de contenido en la red, el por qué y el para qué.
7. BioArte. Crear obras que muestren la naturaleza recuperándose y reclamando su espacio en medio del caos humano. Reflexionar sobre la relación entre la humanidad y el medio ambiente en tiempos de crisis. Manifestar una ética al utilizar elementos vivos para la creación, pues estos aun siendo materiales dispuestos aun en la genética, son entidades apartadas del creador que no deben ser esclavizadas y/o explotadas poniendo en riesgo su bienestar físico y psíquico. Mostrar terrarios y elementos conceptuales, que trastoquen otras disciplinas como la bioarquitectura, aspirando a generar interconexiones con resultados a corto, mediano y largo plazo. Las comunidades biosustentables también tienen aplicación en este apartado.
7. 1. Relación Humano-Naturaleza. Visualizar la conexión y/o desconexión entre la humanidad y la naturaleza. Explorar cómo nuestras acciones afectan el entorno de manera directa e indirecta, a nivel personal, industrial y generar reflexiones sobre la sustentabilidad y la interdependencia.
8. Arte Colaborativo en comuna. Invitar a la comunidad a participar en proyectos artísticos que fomenten la cooperación y la edificación de comunidad con aspiraciones tribalistas. Utilizar el arte como medio para unir a las personas y fortalecer los lazos sociales. Huertos urbanos, azoteas verdes, etcétera, también están visibilizados en este apartado.
8.1. Arte colaborativo familiar. Invitar y realizar actividades artísticas en familia. Desde creación de personajes, historias, paráfrasis de textos y reinterpretaciones, etcétera. Generar dialogo y debate a nivel familiar sin generar transgresiones morales, buscando el análisis del correcto metalenguaje para cada proyecto familiar y su correcta interpretación por todos los integrantes del proyecto.
8.2. Colectivos. Si existe un conjunto de saberes llamado “Colectivos”, los cuales terminan por romperse, ahogarse y/o disgregarse, en su mayoría, diferencias económicas, choque de egos, por falta de ética, por no comprender y acatar los preceptos propios de un colectivo y/o simplemente por distancias naturales entre congéneres de un proyecto y los
8.3. Enseñanza. Eliminar los conceptos puristas por parte de los artistas que se dediquen a la docencia. Comprender que en estas épocas el pensamiento no puede seguir siendo cohercionado y estancado por personas que estén en un ladrillo de ego impartiendo catedra, el maestro no debe humillar, burlarse, ni generar cualquier tipo de denostación, el MAESTRO debe comprender que es un guía y que si está dando catedra es porque está en disposición de compartir sus saberes y ser retroalimentado, cuestionado e informado de inquietudes en el proceso de aprendizaje del alumno, quien a su vez debe comprender el concepto de jerarquías, respeto y disciplina en la absorción de saberes, teniendo como premisa máxima el estudio y especialización constante por parte de instituciones, maestros particulares y/o cualquier línea de aprendizaje a la que pueda acceder, exaltando el concepto de gratitud como valor primordial para una relación de concordia.
8.3.1. Curador. Recordemos que el curador comparte con el maestro, el objetivo de educar y enriquecer a otros con sus saberes. El curador educa al público atraves de la presentación y contextualización de obras de arte en exposiciones, ayudando al público a comprender y apreciar el arte, sin embargo a dejado de lado la justificación curatorial en retroalimentación para el creador, olvidando que puede ser una luz en el proceso evolutivo del artista novel, consolidado o colectivo, teniendo los mismos una recepción con inteligencia emocional y profesionalismo en el “feed back” curatorial.
8.4. En el arte colaborativo es de vital importancia hablar sobre la profesionalización del artista no solo en la conducción en el acceso de sus saberes cotidianos, sino también en su compromiso con la calidad y mejora continua de su trabajo, óptica, discurso, etcétera, sino también en su compromiso con tiempos de entrega y recolección, compromiso en comprender y acatar lineamientos estipulados por clientes, proveedores, museos, colectivos, casas de subasta, galerías, etcétera, afrontar con inteligencia emocional las vicisitudes que pudieran presentarse en lo profesional, evitando desgastar relaciones sociales/profesionales, mantener a un lado la segregación de grupos por parte de rencillas personales, mantener el profesionalismo y no retirarse de eventos ya publicitados por altercados particulares, mantener documentación que permita la trazabilidad de sus piezas y recordar que si el artista no se responsabiliza de su trabajo, nadie tiene el deber de realizarlo a menos que se estipule en un documento contractual con tiempo definido.
8.5. Artistas acaecidos. Parte fundamental del arte en comuna es buscar ayudar a los familiares de los artistas acaecidos a determinar qué hacer con la obra del fallecido, con ética evitando caer en situaciones amorales, reventas abusivas con los familiares de obras adquiridas del artista o instar a ventas desequilibradas. Todo esto por parte de la comunidad artística en general, a quienes se insta a ser colaborativos, fraternales y ser parte de un soporte emocional. La comunidad artística de la mano de los familiares, pueden realizar homenajes, diálogos con museos y secretarias encargadas de cultura tanto en lo estatal como en lo nacional, instando a las mismas a generar un censo de artistas vivos y finados y donde poder adquirir obra de manera directa de los artistas con sus familiares, herederos o apoderados directos. También se insta a los artistas vivos a redactar documentos donde se dirija a sus herederos (paso a paso) a saber qué hacer con sus posesiones después de dejar este plano, como parte de una obligación moral o hasta como parte de un último proceso creativo.
8.6. Continuidad para proyectos de Gobierno. Es bien sabido que en muchas comunidades y/o países al momento de un cambio de poderes, no se le da continuidad a proyectos pasados, de hecho, en muchos casos, ni siquiera están al tanto de los proyectos con buenos resultados, pues es más su premura por instaurar a “su gente” y pagar favores políticos que el seguir con una continuidad y evolución de proyectos pasados con resultados favorables. Por lo que se insta a la comunidad artística a presionar al gobierno para generar candados que promuevan la trazabilidad de proyectos apartidistas funcionales y se insta al gobierno en todos sus niveles a estar informados de proyectos locales, estatales, en comunidades, para ver su funcionalidad y generar proyectos de evolución e impulso de los programas culturales (recordemos el ejemplo maravilloso en programas de cultura y presupuestos que el hermano país Chile nos ha evidenciado), basados en una buena gestión, incrementando a los consumidores de arte en todas sus ramas y protegiendo a los creadores y grupos culturales establecidos. De la misma manera se insta al gobierno a pensar en el ciudadano que consume los programas culturales y el cómo afecta a los interesados estos recortes, cambios abruptos y desniveles devenientes de esta intermitencia.
8.7. El artista y el gobierno en tiempo de crisis. Es increíble que el ser humano haya pasado por tantas guerras, pandemias y situaciones de crisis y caos social y aun no existan lineamientos sobre los pasos que se tienen que tomar en cada apartado importante: salud, educación, cultura… etcétera., ni por gobierno, ni por las secretarias pertinente e interesados en los diferentes campos sociales. Si bien han salido textos sumamente importantes en sus pronósticos estadísticos, nadie lo toma con seriedad y el caos termina imperando. Como bien lo dijo John Donne en la frase que popularizo Hemingway “Ningún hombre es una isla entera por sí mismo; cada hombre es un pedazo de continente, una parte de la tierra”, y ahora que tenemos tan relativamente frescas ciertas vivencias, es momento de conjuntar saberes y estipular directrices a seguir para estar prevenidos con hechos de acciones contundentes, pues recordemos que la cultura y el arte mostraron su ENORME valía en tiempos de crisis, una y mil veces más. Claro que también se tiene que visualizar el peligro que la cultura siempre ha representado para personas que tienen intereses obscuros en mantener a la sociedad desvinculada, sumisa e irreflexiva, algo que tampoco es para nada nuevo.
8.8. Carencias en saberes. Retomando el remate del punto anterior, al momento de que el artista o el libre pensador detecte carencias en los saberes culturales en el ramo de la educación social en un tronco común institucional, es deber del que sabe, compartir sus saberes y cumplir con los preceptos básicos de cualquier vanguardia, generando cursos externos a las secretarias de educación e/o intrafamiliares, aprovechando la era de las telecomunicaciones donde en teoría, todo es transparente si se tiene la intención de buscar, los textos escolares están al alcance de un click para su estudio y análisis profundo. Por ejemplo: que se detecte que un alarmante sector poblacional no pueda identificar a su país en un mapa, es deber del docto en el tema generar una red de apoyo en servicio social, de manera altruista o remunerada y exigir al gobierno nuevas directrices.
8.9. Jardines de arte. Cada día es más común que los artistas generen Jardines de arte, pasillos, etcétera, donde se tenga un acercamiento con los posibles compradores de arte sin tener apoyo real del gobierno, donde este puede con acciones tan sencillas dar una mejor experiencia a los creadores y compradores, como poner baños y seguridad para ese día (o días), mas allá de los cobradores de piso que no pueden faltar en cuanto gobierno detecta estos puntos. Es deber del encargado o líder de los creadores, generar los documentos necesarios para dichas regulaciones.
9. Narrativa No Lineal. Crear obras que exhiban narraciones no lineales o fraccionadas. Esto puede desafiar las convenciones narrativas y alentar una forma más abierta de interpretación, comprensión y análisis. Un recorrido visual no convencional, pero que mantenga los cánones de equilibrio estético.
9.1. Vanguardias. Utilizar elementos de disposición espacial y/o de discurso de distintas vanguardias, manteniendo una justificación, desde la mera estética hasta puntos filosóficos de actualización.
9.2. Interconexiones Conceptuales. Generar un discurso propio con capacidad dentro de las obras de arte para establecer interconexiones conceptuales y transmitir significados más profundos. La capacidad de explorar temas complejos y conexiones entre ideas, sentimientos y paletas.
10. Abstracción y Simbolismo Personal. Abordar la abstracción y el simbolismo personal para expresar experiencias subjetivas y únicas. Esto puede inspirar una filosofía creacional basada en la autenticidad y la singularidad, que a su vez genere una interconexión disciplinaria con otros individuos, dando paso al alma de proyecto, un “Frankenstein” moderno que tomando retazos de todos lados, de un nuevo ser, único y sin malinterpretaciones literarias.
11. Participación en la Creación Artística de las IA. Las IA tienen la capacidad de crear arte, ya lo han demostrado bajo una misma directriz, sin embargo, si una IA consumiera arte creado por el ser humano, estas podrían apreciar obras que les inspiren o que sirvan como punto de partida para sus propias creaciones (hablando del paso “futurista deveniente”). La relación entre la inspiración humana y la creatividad artificial podría ser un elemento aventurero, fresco y de cooperación, siempre y cuando no se esclavice al recurso creacional, para generar el trabajo que el ser humano debe de crear.
12. Diversidad y Variedad. La diversidad y variedad en el arte es clave para esta nueva etapa creacional. La capacidad de apreciar obras que abarquen diferentes estilos, géneros y formas de expresión es vital para que estas desde su creación mantengan una línea abierta que permita la conexión con distintas disciplinas no solo artísticas o filosóficas, también científicas y de la cultura pop, para poder generar un tren de ideas y/o cadáver exquisito.
13. Interactividad y Participación de las IA. Si las IA pueden interactuar con el arte, podrían darle un valor extra a obras que les permitan participar o influir en la experiencia artística. Esto podría incluir instalaciones interactivas o experiencias generativas como la ya utilizada “realidad aumentada”, entre otras más complejas en sus dinámicas con las IA.
14. Participar en Diálogos Artísticos Continuos. El artista tiene como premisa involucrarse en diálogos y conversaciones artísticas sobre temáticas que trasciendan las fronteras temporales. Contribuir a discusiones sobre el arte y la creatividad que sean relevantes en diferentes nichos y momentos históricos.
14.1. Compartir saberes. Compartir saberes de manera remunerada o altruista, como por ejemplo: el artista que sabe redactar sus postulados filosóficos, tiene como encomienda generar una directriz para aquel que carece de saberes o busque volverse docto en ellos, para mantener la línea de justificación informativa e informática. Aquel que sabe hacer serigrafía puede realizar un taller básico para aquellos neófitos que necesiten una línea de sustento aparte de su línea creacional de base. Compartir conocimientos y experiencias con artistas más jóvenes. Participar en actividades educativas y de mentoría puede contribuir a la transmisión de conocimientos y la continuidad generacional en el mundo del arte.
14.2. Sustento. El artista serio no tiene por qué estar peleado con la abundancia material y tampoco debe verlo como alimento para el ego, creyendo que su éxito se base en si vende en dólares, euros o pesos. El creador necesita un sustento que vaya de la mano de su obra o su línea creacional de saberes y es por ello que se insta al compartir de saberes de manera remunerada o altruista. Se insta a que los artistas busquen su sustento en proyectos creativos autosustentables, becas, patrocinios, comisiones, creación de contenido, customisacion de productos, creación de productos personales con imágenes del artista, frases o cualquier merchandising propio del creador, talleres, cursos, rifas, taller abierto, cooperaciones, intercambios, comisiones en análogo-digital, arte digital, diseño artístico, joyería y bisutería de creador, rótulos, infografías, apertura periódica de taller para venta y no solo dejarlo a las exposiciones, pasillos de arte y subastas. De igual manera si el creador da con la “formula” de ventas, no debe dejar de lado el tener una línea “comercial” y una línea “conceptual”, donde su creatividad no se vea secuestrada por los compradores, pues la experimentación estética no debe quedarse estática en formulas establecidas.
14.2.1. El creador debe comenzar a tener una idea de movimiento global de su firma, marca o nombre, generando dinámicas que le permitan tener ese alcance a nivel imagen y distribución de obras.
14.2.2. El creador debe cuidar su obra con derechos de autor, trazabilidad y contratos cuando este realice tratos comerciales, de cooperación y/o de interconexión entre colegas y apegarse a lo establecido, para generar cooperaciones que terminen en victoria y no en guerra.
14.2.3. Exposiciones. Cuando el creador comienza a labrarse un nombre, es común buscar espacios públicos como lo son peñas, cafés, casas o centros culturales, bares, fiestas, raves, etcétera., y son excelentes puntos incluso para artistas consagrados con una dinámica de interacción específica, todo puede y debe ser documentable. Con ello se busca la interacción social física, el dialogo con el espectador y una dinámica de cooperación entre el espacio y el creador. Para los museos en la mayoría de los casos, la primer barrera es el currículo, la segunda es la temática y la tercera la cantidad de piezas a exponer y la agenda propia del lugar. Para que exponer en museos? Ahí se encuentra otro nicho de potenciales compradores y se generan relaciones sociales que pueden ser derivativas a proyectos de cooperación más grandes. También deben observarse como puntos de cooperación artística a los consulados y museos nacionales, pues estos cuentan con colaboraciones culturales interdepartamentales.
14.2.4. El creador debe estar al tanto de los programas de estímulo y poyos culturales gubernamentales en todos los niveles, como lo es, por ejemplo, la ley federal de mecenazgo cultural y las leyes estatales de mecenazgo, “que busca que la iniciativa privada, artística y social tenga una mayor participación en contrarrestar los recortes culturales, para que la iniciativa privada coadyuve a un desarrollo integral del país en todos los niveles. La promoción del mecenazgo atraves de leyes que hacen posible las deducciones de impuestos no es novedad en los países desarrollados. La ley federal de mecenazgo cultural implica reconocer la participación de la sociedad civil y de la iniciativa privada, potenciales detonadores de financiamiento que se realizan plenamente en otros países, mismos que han tenido la visión de largo alcance donde la economía de la cultura es un concepto desde el que se enfoca la política cultural en su conjunto, con acciones que fomentan la actividad de mecenazgo con la extensión de impuestas, la adquisición de obras de arte y el desarrollo de impulso del mecenas. Es una herramienta de estímulos fiscales a la sociedad y a la iniciativa privada, que fortalece las compañías artísticas y culturales con los actos de personas físicas o morales en la dación de aportes monetarios, bienes y servicios. Dichos estímulos, apoyos y/o promociones de la sociedad y de la iniciativa privada hacia las actividades de los grupos culturales serían considerados por el estado susceptibles de deducción e impuestos.”
14.2.5. El creador sobretodo en la plástica, ha tenido como línea de sustento alterno, las comisiones de copista. No existe ningún problema en realizarlo, mientras el copista tenga ética y deje un sello personal en la pieza, para que esta no pueda ser comercializada para fomentar los antivalores, los cuales, este postulado objeta categóricamente.
14.3. Investigación y Desarrollo. Mantenerse al tanto de los desarrollos en el mundo del arte, la cultura y la ciencia. La investigación continua, el desarrollo y conocimiento personal son clave para mantener una práctica artística actualizada, conectada y de relevancia.
15. Filosofía Transhumanista que se centra en la mejora humana a través de la tecnología y cuya estética se asocia más al Steam Punk a últimas fechas que al futurismo New Wave, puede ganar relevancia a medida que las posibilidades de mejorar las capacidades físicas y mentales para expandirse se implementen y mejoren como fenómeno social estandarizado.
16. Critica. El artista debe estar preparado para una crítica mordaz e infame y responder con conocimiento semiótico, pragmático, dogmático y hasta con cierta lúdica de ser necesario, con diplomacia y con conocimiento del yo. No permitiendo la dislocación emocional y estar receptivo a los puntos críticos no solo en lo constructivo, sino también en una retroalimentación irónica y cínica. El artista tiene como deber ser autocritico de manera inteligente, dejando de lado la disforia emocional deveniente del ser “perfeccionista” atraves del prisma de las heridas emocionales y generar una autocrítica que ayude realmente a generar un proceso evolutivo en el crecimiento del artista, sin destruir su psique en el proceso.
16.1. Los artistas, filósofos o personas que deseen realizar una crítica de arte, deben realizarla con lógica, razón, conocimiento iconográfico, estético, ecléctico, en algunos puntos dogmáticos y de vanguardias, utilizando un lenguaje claro y preciso en su discurso y buscando que el metalenguaje sea diplomático y objetivo. Buscando que se retroalimente al artista y se le coadyuve al crecimiento personal y de discurso, no buscando en la crítica romper de manera pueril a los artistas emergentes, ni consolidados. La crítica artística esta igual de estancada que muchas otras ramas, el decir “esto NO es arte” no es una crítica seria, la burla pueril, no es crítica y ninguna disciplina puede crecer con critica que no es crítica, sino que es burla y desdén de una persona abstraída por el ego deveniente de su propia vanidad. En una crítica de arte contundente se debe hablar no solo de la forma, también del fondo, del recorrido visual, el enfoque, la paleta, la semántica del discurso individual o serial, el encuadre estético, el contexto histórico y artístico, técnica y habilidades, emoción y efecto en el espectador y solo al final, esbozar una valoración personal. Generar contenido escrito en distintas plataformas donde la crítica no solo se lleve al artista, sino también al medio, a la sociedad coleccionista y a la sociedad en general, con los mismos preceptos antes mencionados.
17. Procesos ontológicos. La naturaleza del ser, la realidad/existencia, identidad individual y la relación del individuo con la metafísica, la religión, la teología, el esoterismo, la lógica y la ciencia de la información deben ser retratados e incluso documentados desde una postura filosófica personal, que puede ir desde la aceptación al rechazo. Siempre ha sido una fuente de inspiración creacional, sin embargo en este apocalipsis social, toma mucha más fuerza con el neo paganismo y el cambio de poderes dogmáticos ortodoxos.
18. Positivismo Lógico. Si bien pudiera parecer la antítesis del punto anterior, realmente el positivismo lógico es fundamental para que esta nueva vanguardia pueda crecer en todas las ramas de interconexión. Aunque el positivismo lógico y el arte tienen discrepancias significativas en sus enfoques, directrices y objetivos, es posible tener puntos de coalición en términos de énfasis en lo práctico, lo observable y la reducción de la expresión. Sin embargo es importante reconocer que estas conexiones pueden estar enfocadas en la hermenéutica y no necesariamente que reflejen una influencia directa del positivismo lógico en el arte en general. Arte y ciencia van conectadas y ahora se debe exponer de manera categórica sus puntos de cooperación y documentación. El empirismo aquí defenderá que el conocimiento proviene exclusivamente de la experiencia y que las teóricas científicas deben estar basadas en datos empíricos VERIFICABLES, algo que discrepa con el concepto de “artista empírico” actual.
19. El arte de Horror. Es fundamental para el medio artístico y no puede dejarse de lado, pues en su exploración de lo desconocido, también busca mantener un reflejo del alma en su obscuridad y genera una crítica social atraves de la experiencia estética perturbadora que mantiene una innovación técnica y la capacidad para influir fuertemente en el espectador. Y el artista Yeyeca debe “incomodar” a la sociedad, no dormirse plácidamente en los brazos del monstruo social y para ello debe hacerse de todas las herramientas estéticas y filosóficas para su actividad creacional.
La combinación de estos elementos puede dar lugar a obras de arte que no solo sean estéticamente atractivas, sino también filosóficamente ricas. La clave es buscar nuevas formas de expresión que desafíen las convenciones establecidas y abran espacio para una filosofía creacional única y significativa, que pueda tener puntos de convergencia con otros artistas, ramas y/o disciplinas.
Recordemos que la creación artística es personal y única para cada creador. Estas sugerencias son solo puntos de partida, el enfoque específico dependerá de la perspectiva y las experiencias del creador en el contexto del apocalipsis social vigente.
Bárbara Mcclintock nos dejó como herencia el conocimiento de los transposones, estos genes saltarines que si bien pueden tener en algunos casos efectos perjudícales en el organismo también se impulsa la evolución y al adaptación de los organismos a su entorno, seamos una comunidad artística y creacional “transposoneada”, que brinque, juegue, no se duerma en sus laureles y permita la comunicación e inserción con otras áreas, interdependencias y creativos, seamos un Frankenstein moderno, que solo sea monstruo en su grandeza, mas no en la pereza conceptual y creacional estético.
En México específicamente, el gobierno debe ser presionado para generar leyes que protejan al artista, que se dé un sistema REAL de apoyo en la salud social y no se le ofrezcan espejitos al creador, solo para tenerlo quieto y en inanición, que las instituciones gubernamentales, hacienda, etcétera, den permisos regulados para “estudio de artista”, y este pueda libremente abrir las puertas de tu casa y/o estudio para vender su arte con periodicidad mensual, este tipo de permiso podría proliferar el arte de persona a persona y no de manera institucional que solo genere ganancias en un nivel especifico.
Se exhorta a los museos, casas de cultura, empresarios privados, a tener una carpeta de ventas y/o catálogo de artistas, de esta manera se apoya directamente al artista en su proceso creacional, pues el mercado del arte debe ser accesible para cualquier interesado.
El artista debe tener charlas periódicas en distintos medios para hablar sobre su trabajo: esta es mi paleta, este es mi concepto, este es mi proceso. De esa manera se acerca el artista al espectador y coadyuva a otros artistas a una retroalimentación creativa.
Se extiende esta convocatoria a todos los buscadores de la existencia, a los soñadores incansables e inquebrantables y a los rebeldes de ideología convencional en esta búsqueda por expandir los límites de la actividad creacional en todas sus ramas, así como de la comprensión humana, se extiende una invitación abierta a artistas, filósofos, libre pensadores ya todos aquellos que ansían explorar los rincones más profundos del alma y del conocimiento a que juntos tracemos un camino hacia un futuro donde el arte, los valores básicos humanistas, la ciencia y la reflexión se fusionen un una sinfonía de pensamiento divergente, expresión individual e interconexiones sociales, mas allá de egos o problemáticas psicosociales personales.
Invito a cualquier persona a tomar este texto y hacerlo suyo, añadiendo su propio sentimiento y/o perspectiva personal (siempre y cuando se de crédito a la autora del texto original Gabrielle Ville Vicenzio), animo a que cada quien lo desarrolle según lo que necesite su propia área de interés o creatividad, generando ramas creacionales que den frutos conceptuales que alimenten a todos.
Gabrielle Ville Vicenzio
Artista Plástico multidisciplinar de la ciudad de Guadalajara, Jalisco, México.
Agradezco el apoyo de:
Dra. Sofia Acosta Villavicencio
Lic. Octavio Acosta Villavicencio
Indira Rendón (Proyectos MalaSangre)
Carmen Parada (Colectivo Mujer y Arte)
Armando Andrade (Colectivo Legión)
Mayra Franco (Telefendron)
Victor Martinez (Mosto)
Miguel Barba Vazquez
Sergio Martinez
Alfredo (Arte colectivo alternativo)
Y a todos aquellos que prestaron sus ojos para observar, sus oidos para escuchar y me dueron una gran retroalimentación. Gracias por su apoyo.
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